Zehn wohlbekannte Körper, die im Engagement für die Musik beben. Super-konzentriert. Slow-motion. Und atonal. Denn was sie darbieten, tendiert mal in Richtung Wiener Walzer, dann zum Free-Jazz. Das klingt bizarr: Die deutsche Regisseurin Andrea Breth hat in Wien zur absurden Komödie gefunden.

Die "Zwischenfälle" sind deshalb eine rekordträchtige Burgtheaterproduktion: Über fünfzig Fragmente fügte Andrea Breths Dramaturg Wolfgang Wiens in einer Collage zusammen. Die Grundlage dafür stammt aus der Zeit der Dadaisten vor 1930 in Ausprägung der beiden Franzosen George Courteline und Pierre Henri Cami sowie dem Russen Daniil Charms.

Die zehn Darsteller schlüpfen dafür in etwa neunzig Rollen. Fast jeder Auftritt wird mit Zwischenapplaus bedacht, dieser Applaus ist immer wieder phänomenal. Und nochmals: Andrea Breth, bekannt als bierernste Klassikerinterpretin, hat zur absurden Komödie gefunden.

Menschliche Kommunikation, Entfremdung, Dialogschleifen

Das Bühnenbild gibt sich puritanisch. Mit all seinen durchbrochenen Zwischenwänden wirkt es, als hätte sich der wirre Verstand einen Weg in die Freiheit geschossen. Abseits davon befindet sich das Stück in den Goldenen Dreißigern. Jedes Telefon bedeutet zwischenmenschliche Komplikation. Die Koffer auf der Bühne sind Symbol der fortschreitenden menschlichen Entfremdung.

Andrea Clausen und Hans-Michael Rehberg
© Bernd Uhlig

Die "Büroarbeit" wird genauso abgelehnt, wie "Freizeit" ein Mysterium darstellt. Ein paar Protagonisten nächtigen deswegen im Büroflur, andere zeigen Abneigung demgegenüber. Verkappte Zuneigung ist in diesen Fluren ebenso möglich wie totale Aggression. Etwas Sex and Crime, Romantik, Karrierismus, Märchen und andere Erzählkonzepte fegen durch das Environment. Hier, im global gedachten Wartezimmer, wird der Sinn des Lebens erzeugt, und im gleichen Atemzug wird er wieder verworfen.

Johanna Wokalek ist dabei jene Darstellerin, die den größten Wandel durchlebt: Von einem barbusigen Nachbarsweib im Fat-Suit, zur weinerlichen Braut zu einer Büroangestellten. Nebenbei brilliert Markus Meyer mit atemberaubenden Balletteinlagen. Das gesamte Ensemble arbeitet unglaublich präzise, es bereitet stundenlange Freude zuzuschauen: "Die Suppe" nennt sich jene Dialogschleife von Charms, die Elisabeth Orth und Udo Samel zu einem der Höhepunkte dieses Abends verarbeiten. Innerhalb von wenigen Minuten ändern sie kontinuierlich die Färbung ihrer Äußerungen. Für das Geschehen bleibt das einerlei, sie sind in einer Endlosschleife, geben sich aber kämpferisch: flötend, oder weinerlich, didaktisch, ein wenig grob, oder mitleid-heischend. Wunderbar.

Mehr Unsinn wagen

Das Publikum ist davon durch einen Gaze-Vorhang getrennt, der blitzartig aufleuchtet, wenn ein Szenenwechsel bevorsteht. Nach Breth lässt sich Humor scheinbar bestens hinter einer teiltransparenten vierten Wand fassen. So wie sie es im Mittagsjournal-Interview mit dem Radiosender Ö1 geäußert hat, sucht sie dabei nach einer "Traumdramaturgie". Breth meint dort: "Unter Umständen leben wir in einer Zeit, in der uns mehr der Unsinn zum Sinn führt."

Nach diesem Abend ist evident, dass Andrea Breth eine bemerkenswerte Hand für absurdes Theater besitzt. Man bewundert dabei die schnellen Wechsel zwischen den einzelnen Bildern: Effekte ohne jegliche Effekthascherei. Als Wermutstropfen kommt die Aufführung nach der Pause nicht mehr in Fahrt - Warum das so ist? Breth hat der bereits nach 20 Minuten ad absurdum geführten Bühnenrealität nichts mehr hinzuzufügen. Die Fragmente leben drei Stunden lang von der Schauspielleistung. Im Raum verpufft das Gefühl von Identifikation. Während sich die Atmosphäre durch den Gaze-Vorhang verbreiten kann, bleiben die Charaktere flüchtig und unbeständig. Schade. Gerne hätte man diesem großartigen Unsinn vertraut.

Zwischenfälle
Szenen von Daniil Charms, Georges Courteline und Pierre Henri Cami
Regie: Andrea Breth, Bühnenbild: Martin Zehetgruber, Kostüme: Moidele Bickel, Dorothee Uhrmacher, Musik: Bert Wrede, Dramaturgie: Wolfgang Wiens.
Mit: Andrea Clausen, Corinna Kirchhoff, Elisabeth Orth, Johanna Wokalek, Gerrit Jansen, Roland Koch, Markus Meyer, Hans-Michael Rehberg, Udo Samel, Peter Simonischek.

Mehr zu Andrea Breth gibt es im nachtkritik-Archiv.

Kritikenrundschau

Einen "irrwitzigen Katastrophenkomödienreigen" in der Regie der "Tragödienregisseurin" Andrea Breth hat Gerhard Stadelmaier von der Frankfurter Allgemeinen (7.2.2011) erlebt. Breth schaffe "Beziehungen, Verweise, Durchgänge im an sich Beziehungslosen. Die in die Welt Gesplitterten können sich nicht entgehen" und sind alle "Teil eines großen, zusammenhängenden Albtraums". Hier trete das Theater "über seine Grenzen – und entdeckt im wahnwitzig Vielen das große Eine: die Lust an traumhafter Weltdurchdringung". Stadelmaier ist entzückt, lacht, staunt. Alles hier sei "genial so gemacht, dass jeder 'Zwischenfall' auf einen größeren, schrecklicheren, tollwütigeren, abgrundsehnsüchtigeren Fall verweist, sozusagen die großen Akte (...) einer Tragödie (...). Was hier zu sehen ist, ist das ganz begreifliche, wiewohl unglaubliche Glück der Katastrophen: in Zwischensphären, Lach- und Schmerzräumen, die wir Alltag oder auch manchmal ‚Leben' nennen. Aber sehr gut wissen, dass dies nur ein Synonym für Wahn, Trug und Lug und Witz - und deshalb ein Trost ist. Kein Theaterabend der letzten Jahrzehnte hat dies so schlagend, so komisch, so gelächtersatt, leichterhand intelligent und wunderreich bewiesen. Diese dreiundfünfzig Kleinigkeiten der Andrea Breth sind größer, wirklicher und wahrer als alles, was sonst theatralisch so groß damit tut, der Wirklichkeit nahe zu kommen."

Ähnlich begeistert von dem "riesigen Theaterfest" ist Helmut Schödel von der Süddeutschen Zeitung (7.2.2011). Die "Texte voll schwarzen Humors", diese "scheinbaren Petitessen wurden schon zu Lebzeiten der Autoren als Schwergewichte erkannt". Breth stelle "das Lachen nicht nur als befreiend, sondern als letztendliche Konsequenz" vor. "In der Regel scheitern wir nicht im großen Stil; Nichtigkeiten pflastern unseren Weg mit Stolpersteinen, denn schräg ist die Welt und ein rechter Unfug." Die Figuren seien "Marionetten des Unsinns", der Abend "ein Fest genialer Schauspieler". Neben absurder Komik gebe es auch "ganz anrührende Momente". Die Szenen gelängen so "hervorragend", weil Breth "nie die schnelle Pointe suchte. Man lernt vielmehr, dass es eigentlich gar keine Pointen gibt, auch sie sind, wie das Lachen, letzte Konsequenzen." Bei dem "ausnahmslos hervorragenden Ensemble" und einem schlicht "grandiosen Wiener Theaterabend" wurden dem Kritiker dessen dreieinhalb Stunden nie lang. "Diese Aufführung, dramaturgisch betreut von Wolfgang Wiens, ist ein Glanzlicht dieser Burgtheater-Saison."

Bei Breth werde niemand "mit billigen, allzu billigen Scherzen abgefertigt, Schenkelklopfer" hätten hier nichts verloren, schreibt ein ebenfalls jubelnder Ulrich Weinzierl in der Welt (7.2.2011). Signum der Inszenierung sei "das Gesetz des Pokerface: Noch in Aberwitz und szenischem Nonsens wird keine Miene verzogen, damit die monströsen Miniaturen ihre volle Kraft entfalten können. Die meisten sind schlicht und einfach hinreißend" und ließen "den Saal vor Vergnügen quietschen und toben". Dabei lauerten "hinter der Heiterkeit (...) stets Gewalt und Brutalität, die umso verstörender wirken, je unverständlicher die Gründe scheinen". Gewiss handele es sich "um ideales Schauspielerfutter. (...) Doch überschreitet die Aufführung keineswegs die Grenze zu Klamauk und Schmiere. Das verdankt sich Präzision und Perfektion, in dieser Fülle kaum je zu bestaunen." Breths Trick bestehe darin, weder die Komödie noch die Tragödie "aus den Augen zu verlieren, es in einander zu spiegeln, beides zu überblenden". So gelinge ihr "eine Hymne an den Zauber, an die Unvergänglichkeit des Theaters".

Breth habe hier "ihr eigenes Klischee von der Bühne weggedrückt: Sie frönt - zum Schein - der Heiterkeit", so Ronald Pohl im Standard (7.2.2011). Dabei lasse sich "nichts Furchtbareres, die Würde des Menschen Beleidigenderes denken als die grotesken Episoden" von Courteline, Cami und Charms. Es habe "den Anschein, als wäre eine Katastrophe passiert, deren Auswirkungen nur nicht mehr zusammenhängend erzählt werden können." Der "herzerfrischende Abend" beschreibe den Alltag "als gewaltförmig". "Nach dem Ende der großen Erzählungen lauert, als kleinster gemeiner Nenner, der Terror. (...) Die Überwindung der Schwerkraft, die diesen stupenden Abend wiederholt in lichte Höhen hinaufreißt, bleibt ein Akt des Mutwillens. Andrea Breth lässt nicht mit sich scherzen. (...) Andererseits: Näher als in Zwischenfälle wird die mit ihrem Ensemble frenetisch Bejubelte dem Ideal der Schwerelosigkeit kaum rücken."

Auch Barbara Villiger Heilig von der Neuen Zürcher Zeitung (7.2.2011) hat einen "ingeniösen Theaterabend" mit "überragendem Ensemble" gesehen, "ein Feuerwerk aus Petitessen, Pikanterien, Patzern". Jeder Zuschauer könne in dem Reigen "seine eigenen Geschichten entdecken". Breth gehe vor "wie eine im falschen Moment abdrückende Fotografin. Ihre szenischen Schnappschüsse überraschen die Personen in unbeobachteten Momenten, die gemeinhin eher nicht dokumentiert würden. Ein Blick durchs Schlüsselloch, sozusagen." Leider sei es "völlig unmöglich, die flüssig dahinperlenden, subtil miteinander korrespondierenden (...) Glanznummern adäquat zu beschreiben". Breth betrete dabei "dunkle Zonen", "nicht nur, wenn's um Aggression, Gewalt und Macht geht - Pistolen knallen wiederholt -, sondern auch im zwischengeschlechtlichen Bereich". "Das Schönste an dieser Wundertüte voll menschlicher Magie ist das Unvorhersehbare im Theater des Lebens. "

Breth spiele, schreibt die etwas anders gewichtende Barbara Petsch in der Presse (7.2.2011), "mit vielen Formen des Entertainments. Sie schreibt eine Kulturgeschichte, beeinflusst von ihrer Generation", mit Liedern von Zarah Leander oder Juliette Gréco, mit Stummfilmfiguren wie von Keaton und Chaplin, dazu von Film und TV inspirierte Krimi- und Ohrfeigenszenen. Die Inszenierung sei "von einem atemberaubenden Reichtum an Einfällen, Assoziationen. Mit ausgestrecktem Zeigefinger weist Oberlehrerin Breth die Unterhaltungsstümper, die uns täglich ihren ach so perfekt gemachten Junk um die Ohren schlagen, ins letzte Eck." Der "didaktische Furor, der in diesem vordergründig leichten Gebilde steckt, ist auch ein Problem". Nicht-Breth-Kenner "dürften einige Szenen der für einen bunten Abend (...) langen Aufführung in ihrer epischen Breite und der Lust am Hauen mit dem Hammer auf denselben Fleck lähmend finden. Breth-Aficionados erleben den besten Spaß seit Langem." "Selbst Kritiker, von denen man sich kaum vorstellen kann, dass sie je schmunzeln, lachten herzlich."

Peter Michalzik von der Frankfurter Rundschau (8.2.2011) findet es "eine sehr schöne Idee", Charms, Courteline und Cami zu "verzwirbeln", sei doch das Komödiantische des 19. Jahrhundert durch Charms und andere "zu einem kosmischen Lachen, einem Verzweiflungs-, Absurditäts- und Weltlachen aufgeblasen und zugleich zusammengefaltet" worden. Charms' komische Einsicht sei auch die von Breth: "Selten sind wir Helden und spielen in Tragödien mit, oft dagegen stecken wir in der lächerlichen Vergeblichkeit des Alltags." Auf der Bühne "steht, haut und missversteht sich jene Art von Mensch, die man meist mit Artikel und ohne Vornamen nennt", und eben das mache die Sache pikant: "Ein Großmeisterensemble als Zwischenfall. Furztrocken und ungerührt vollziehen diese Könner des Komischen Tiefschlag und Blutbad, Komödienrolle und Rolle rückwärts." Vor der Pause sei das "lustig, aber auch nicht mehr". Nicht mehr als "Klamauk", "Klamotte". Szenenweise sei es einfach "der Humor von Loriot, der hier imitiert wird". Nach der Pause scheine Charms die Regie zu übernehmen, "es wird böse, es wird schmutzig, es wird nichtig".

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